lunes, 19 de septiembre de 2016

Angel Olsen - MY WOMAN (2016)

"Tell me that love isn't true"


Íntimo, misterioso, seductor y melancólico; son los adjetivos que se me ocurren cuando escucho ‘MY WOMAN’ el tercer disco de la artista oriunda de Misuri: Angel Olsen; en este trabajo la artista no hace más que sacar brillo de todo su talento como cantante y compositora; dando un paso importante en su crecimiento, tanto instrumental como melódica, ya que este trabajo no es más que una evolución lógica que empezó en el 2010 con su trabajo debut titulado "Strange Cacti".
El disco combina armónicamente sonidos acústicos con los eléctricos, coqueteando al mismo tiempo con el rock como la música electrónica, ya que tanto las guitarras como los sintetizadores intercalan el protagonismo de las canciones, siendo esta la característica más interesante del disco ya que Olsen yuxtapone ambos sonidos de una forma casi perfecta, ya que no se nota cambios abruptos, ni mucho menos se siente que sea forzado o pretencioso; otro punto por el cual el disco sobresale es por la voz de Olsen, puesto que la cantante hace gala de sus cualidades vocales trasmitiendo sensaciones de tranquilidad, y dulzura así como de fuerza y determinación.
Sin dudas ‘MY WOMAN’ es una joya, un disco íntimo, que juega con las emociones del oyente, y en donde la compositora demuestra todo su talento, para crear un disco fantástico.

Track Listing:

domingo, 4 de septiembre de 2016

Esperanza Spalding - Emily’s D+Evolution (2016)

"I want to lock it all up in my pocket 
It's my bar of chocolate 
Give it to me, now!"



Todos en la música esperan un elegido; un ser dotado que renueve los cimientos, un mesías que rompa los esquemas y le dé una nueva dirección, en el caso del Jazz ese mesías se llama Esperanza Spalding una bajista de Portland que ha sabido cautivar al público con su gran voz y su talento para escribir canciones sublimes, su más reciente disco se titula “Emily's D+Evolution” que mezcla el jazz con el art rock, resultando un disco singular que desde el primer track envuelve al oyente con riffs de guitarras, golpes fuertes de batería y sobre todo con hipnóticos bajos; cuyo sonido es muy cercano por momentos a los sonidos del funk, blues y R&B
El disco narra la historia de Emily, el cual es el segundo nombre de Esperanza, funcionando como su alter ego; Esperanza describe a Emily como “un espíritu, u otro ente, o una expresión que acabo de conocer o de la que he sido advertida. Reconozco que mi trabajo… consiste en ser sus brazos y orejas, su voz y su cuerpo” a partir de esa premisa Esperanza se convierte en la arquitecta de las vivencias de Emily, construyendo con sus melodías las penas y alegrías de Emily.
Un disco atrevido, pero al mismo tiempo fresco, en donde Esperanza sigue puliendo su talento, creando pequeñas historias narradas de una forma contundente, dándole un nuevo aire al jazz, y acercándolo a nuevos oyentes.

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Daniel Mosquera

lunes, 8 de agosto de 2016

Garbage - Strange Little Birds (2016)

"I'm not in love, I'm not in love And there will be no future tense for us "


El sexto disco de Garbage está aquí se titula ‘Strange Little Birds’, y a mi opinión es el tercer mejor disco de la banda, luego de los ya clásicos ‘Garbage’ (1996) y ‘Version 2.0’ (1998), para afirmar eso me baso en que su sonido es ligeramente distinto, es más electrónico, más cercano al rock industrial, haciendo que el disco sea el más oscuro de su trayectoria, pero sin perder la esencia, ya que las guitaras distorsionadas, así como los sintetizadores siguen estando presente, para crear ese sonido que caracteriza a la banda, como ya mencioné antes el disco es oscuro ya que vemos influencias tales como trip-hop, post-punk y dream pop, creando ambientes densos y sombríos, donde la voz sexy de Sherly Manson esta vez nos trasmite disconformidad, desamor y tristeza .
Si bien es cierto la fórmula es la misma a los que nos tiene acostumbrado este cuarteto, han mostrado cierta madurez en su sonido, dando como resultado un disco solvente y contundente que muestra las virtudes de esta banda, quizás no sea el disco del año, pero creo que es un trabajo que merece la pena ser escuchado y recomiendo dejarse hipnotizar por el sonido ‘basura’ de esta banda; sin duda alguna un gran logro para Butch Vig y compañía

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Daniel Mosquera

viernes, 29 de julio de 2016

The Kills - Ash & Ice (2016)

"I'm lookin for answers to my wishes and my prayers 
You missed most of the words When I said 'em"


Luego de un lustro The Kills está de regreso, su más reciente trabajo se titula Ash & Ice, que hace que este dúo binacional vuelva a estar presente en los diferentes charts; como es lógico estos cinco años ha servido para que tanto VV y Hotel (sobrenombres de Alisson Mosshart y de Jamine Hince respectivamente) puedan buscar nuevos sonidos, ¡y vayan que lo lograron!, ya que el disco es el menos sucio que sus antecesores; sin embargo el sello de The Kills está presente en estos 50 minutos, por un lado tenemos la voz sensual, cautivadora y desenfrenada de VV por otro los riffs de Hotel elementos los cuales están presentes en todo el disco, pero la pregunta ¿qué es lo distinto en este disco? Para empezar que para el trabajo el estudio la banda contó con la participación de un baterista y un bajista haciendo que el sonido sea más real, ok hasta allí puede que no haya novedad, sin embargo, les hago recordar que The Kills no utiliza estos instrumentos, por tal motivo hace que su sonido se renueve; además que la caja de ritmo (que durante mucho tiempo fue el tercer integrante de la banda) sigue allí, para hacernos recordar que a pesar de los cambios la esencia está presente; quizás para mucho no les agrade el resultado, eso es algo que se entiende y respeta, sin embargo a mi gusto este es un disco bien elaborado y milimétricamente trabajado, en donde el alma de The Kills está presente en cada canción, donde nos podemos dejar llevar por los jugueteos que hace Hotel en las guitarras y en donde nos cautiva la voz inconfundible de VV, es cierto el disco es menos sucio pero la flama del garaje rock sigue ardiendo en este dúo, y quizás no sea su mejor trabajo, pero a mi opinión no es retroceso ni un fracaso, es sólo dos viejos amigos/músicos buscando nuevos sonidos y matices.

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Daniel Mosquera

domingo, 10 de julio de 2016

Mitski - Puberty 2 (2016)

"Oh if you're going, take the train 
So I can hear it rumble, one last rumble"



Mitski Miyawaki mejor conocida como Mitski, es mitad japonesa mitad estadounidense, nació en Japón y se crió en Nueva York, su familia se movía constantemente por tal motivo ella vivió en la República Democrática del Congo, en Malasia, en China y en Turquía, ella afirma que su música es una influencia de sus dos raíces la Japón y la de EE.UU.
Este año, sin dudas es el año de Miskit, su más reciente trabajo titulado Puberty 2, está cosechando buenas críticas y no debe sorprender que aparezca en la listas de fin de año; el disco no es pretencioso, está bien trabajado, y sobre todo las canciones son contundentes; Mitski sabe equilibrar las canciones rockeras en donde predominan las guitarras distorsionadas, con las canciones de corte más electrónico en donde sobresale el teclado; así como sabes utilizar otros tipos de instrumentos como los de viento o los de cuerda, creando una atmósfera ecléctica.
El Puberty 2, es hasta ahora su trabajo más completo, en donde vemos la versatilidad de Mitski, que rescata el indie femenino de inicios de los 90’s ya que por momentos se disfraza de PJ Harvey, o de Hope Sandoval, así como también utiliza elementos más actuales como a St Vincent o a Courtney Barnett; un disco que vale la pena darle play y disfrutarlo de inicio a fin, un trabajo interesante, que dudo que pase desapercibido.

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Daniel Mosquera

jueves, 30 de junio de 2016

The Drones - Feelin Kinda Free (2016)

"Thud thud my heart pumping blood 
Whenever someone talks about my Taman Shud"



The Drones es una banda australiana que en sus inicios tenía un clara influencia del blues, especialmente Bod Dylan, sin embargo en su séptimo trabajo titulado ‘Feelin Kinda Free’ deciden darle más cabida a la experimentación, teniendo como resultado un disco intenso, compacto, profundo y sobre todo muy sugestivo, en este disco los australianos le dan un giro de 180° a su sonido, ahora los sintetizadores son los que predominan mientras que las guitarras pasan a segundo plano, es que parece que la banda quiso retarse, buscar nuevos sonidos , de revitalizarse, es como si hubieran desquebrajado su sonido y lo reamaron utilizando otros elementos alejados del sonido rockero (como el hip-hop por ejemplo) .
Sin duda es algo digno de elogiar, ya que el cuarteto australiano ha sabido salir de su zona de confort (algo que pocas bandas, incluso las renombradas, se atreven a hacer), ya que el ‘Feelin Kinda Free’ es un disco que rompe esquemas, un trabajo difícil de etiquetar en un género ya que es muy ecléctico; sin embargo si alguien se atreve a darle play, les garantizo que tendrá un viaje espectacular, lleno de sorpresas y en donde tu imaginación volará libremente a través de una vorágine de sonidos.

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Daniel Mosquera

lunes, 20 de junio de 2016

Travis - Everything at Once (2016)

"When enough is enough and it's all too much for anyone 
When you're out on your own, everybody's in love"




Creo que de Travis siempre recordaré sus tres primeros discos: Good Feeling, el fabuloso The Man Who y The Invisible Band, luego los escoceses han entrado en una zona de confort que hasta ahora no ha podido (o mejor dicho querido) salir, su último disco titulado Everything at Once, no es la excepción a esta premisa, ya que es un disco que sigue con los cánones a los cuales Travis nos tiene acostumbrado, sin embargo este no es un disco aburrido, todo lo contrario es un disco que se deja escuchar , a pesar de ser monótono y predecible, es efectivo, ya que las canciones son directas y simples, llenas de melodías y cargados con una esencia sosegada que es la firma típica de los escoceses. Si bien es cierto este disco no entrará en la historia, ni será recordado como el mejor trabajo de Travis; pero al menos les garantizo que las (pocas) veces que lo escuches no lo te arrepentirás. En conclusión un disco que a pesar de que sabes que va a venir, no te decepciona.

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Daniel Mosquera

martes, 7 de junio de 2016

Xiu Xiu Plays the Music of Twin Peaks (2016)

"Are we falling in love?"



Twin Peaks fue una serie (y posteriormente tuvo una adaptación cinematográfica) creada por David Lynch, es considerada como una serie (y película) de culto, no sólo por su sólido arco argumental o por la forma como fue narrada, sino también por su música que estuvo a cargo de Angelo Badalamenti (el cual es un colaborador recurrente de Lynch), dicho soundtrack compartía la esencia misteriosa y tétrica de la serie, lo cual creo yo, ayudó a que Twin Peaks sea un producto completo, ya que creó una atmósfera musical que se complementaba perfectamente con las imágenes visuales. Hacer un covers algo sencillo, lo complicado es apropiarse de la obra original, darle el toque personal del artista para poder recrearla, son pocos artistas los cuales tienen covers que ha superado al origina, y dentro de ese reducido grupo de artistas que han sabido hacer suya una canción ajena, debemos de agregar a la banda californiana Xiu Xiu, ya lo que hicieron con la obra de Badalmenti es algo excepcional, un verdadero deleite al oído, recreando de una forma sobria el soundtrack de esta serie, respetando la esencia lúgubre y enigmática de la obra original, y al mismo tiempo imprimiéndole el toque particular de esta banda, llevándolo a terrenos más experimentales y ásperos, en donde no tienen reparo de incluir distorsiones y juegos de voces para elevar el grado de lobreguez de las canciones. Estamos enfrente d una trabajo impecable de Jamie Stewart y los suyos, en donde los fans de la banda sonora de Twin Peaks no se sentirán decepcionados, sino agradecidos por la grandilocuente ejecución de Xiu Xiu, ya que supo mantener el meollo pero al mismo tiempo brinda una nueva perceptiva ampliando los horizontes imaginarios y esperemos que Lynch incluya alguna de estas canciones en la tercera temporada de la serie.

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martes, 31 de mayo de 2016

Car Seat Headrest - Teens of Denial (2016)

"This isn't sex, I don't think, it's just extreme empathy 
She's not my ex, we never met, but do you still think of me?"


Teens of Denial es el décimo tercer disco de la banda de Virginia Car Seat Headrest, esta banda inició el 2010 como un proyecto en solitario de Will Toledo, el cual lanzó 11 discos por internet que poco a poco llamó la atención tanto de los productores como de la prensa especializada, luego firmaron con Matador Records y lanzaron el disco Teens of Style el 2015, que es un recopilado de sus discos anteriores.
Este año está de regreso con un nuevo material que musicalmente es heredero del underground estadounidense de los años 80’s 90’s: Yo La Tengo, Sonic Youth, The Breeders, Weezer, Wilco, y sobre todo Pavement; es decir estamos ante un disco rockero, lleno de distorsiones de guitarras, ritmos cambiantes, riffs potentes y cargado de emociones fuertes, ósea un disco que tiene el espíritu de la vieja escuela; en este álbum podemos sentir que el trabajo de Toledo ha evolucionado poco a poco, que todo ese tiempo en la cual se la pasó grabando discos en forma artesanal ha sido toda experiencia que le sirvió para encontrar su propio sonido, luego; gracias a Matador Records (un disquera que se caracteriza por dar libertad a sus artistas) y al productor Steve Fisk (que entre otros trabajó con Nirvana, Soundgarden, Screaming Trees, etc) pudo pulirlo y finalmente regalarnos un disco intenso, en donde la emotividad se respira en los más de 70 minutos el cual dura el disco.

Track Listing:


martes, 17 de mayo de 2016

Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)

"And true love waits In haunted attics"



Por primera vez en la historia de Oídos Vírgenes, nuestros dos redactores opinaran del mismo disco:

LesterStone

Después de la desazón que me generó The King of Limbs, que fue un álbum que me pareció desangelado y sin gracia al margen de uno que otro pasaje decente logrado a base de puro oficio (y que luego de aquel 2011 sigo sin volver a revisar, aunque igual no creo que mejore mucho en mi cánon personal), el leer que Radiohead tenía material nuevo para ofrecer en este 2016 era algo que ya no me generaba demasiada expectativa. Y no porque pensara que no podían mejorar luego de aquel bache, sino porque en general sus lanzamientos post-Kid A (que supuso en su momento todo un abreojos para mí a un género que no había explorado muy bien hasta entonces como lo era la electrónica) no han hecho demasiado click conmigo, aun reconociendo la solidez lograda en trabajos como Hail to The Thief (2003) e In Rainbows (2007), en los que sin embargo echo en falta lo primero que atrapó mi atención con respecto al grupo: su particular uso de las guitarras, mostrado de excelente forma en el siglo pasado. En todo caso, la asimilación que hace Radiohead de la tecnología e influencias nuevas y el no temerle a probar con texturas y sonidos de vanguardia son parte de lo que definió la obra del conjunto británico en este nuevo milenio, aunque este flamante A Moon Shaped Pool parece ser más bien un resumen de dicha estética, no proponiendo nada muy novedoso con respecto a lo que ya se les conocía, pero haciendo énfasis en algo que fue -a mi gusto- su talón de aquiles en The King of Limbs: las canciones. Las composiciones (la mayoría de las cuales ya eran conocidas al haber sido tocadas en directo en los últimos años) y los trabajadísimos arreglos y atmósferas que el grupo crea en torno a ellas van siempre al mismo nivel, no lo segundo devorando a lo primero como sucedió en el disco anterior: sustancia y estilo al mismo tiempo. Acá hacen uso de la electrónica como un elemento aún principal y ya indesligable de su impronta, pero a ello le suman el carácter orgánico que poseen las guitarras eléctricas y acústicas, una base rítmica sutil y precisa, brillantes arreglos de cuerda con los que Jonny Greenwood demuestra estar en un gran momento y ser el genio (no tan) en las sombras del grupo y, por último -hay que reconocer-, una interpretación cálida y humana de Thom Yorke, mucho menos sombría y distante; es en esa mixtura en que radica lo notable de este álbum y las ganas de oírlo repetidas veces que me ha generado, algo que no auguraba hasta hace unas pocas semanas. No creo muy necesario entrar en detalle con respecto a los temas, de eso ya se han encargado las miles de reseñas que han aparecido en estos últimos días y que puedes leer en tus webs y blogs de música favoritos, muchas aparecidas de forma casi inmediata al lanzamiento y que han diseccionado el disco de forma casi quirúrgica, una muestra más del status que Radiohead posee en la actual escena musical. Este texto es basicamente escrito solo con la intención de dejar constancia que A Moon Shaped Pool me devuelve en algo la fe que le había perdido a los de Oxford, sobre todo en lo que respecta a ofrecer canciones memorables y con las que uno puede establecer una conexión emocional, como lo demuestran las hipnóticas "Daydreaming" y "Decks Dark", el bossanova hi-tech de "Present Tense" y la inmensa y remozada "True Love Waits", que cierra el álbum. Con el permiso de In Rainbows, creo que este es su mejor -o más consistente, al menos- desde Kid A.

Dlma97

Hablar de Radiohead para mí es algo especial, no sólo porque se trata de la banda que actualmente más admiro, sino por lo que significa en mi vida, ya que puedo decir que su música ha estado en todas las etapas las cuales he vivido y que un buen número de sus canciones son parte de mi soundtrack personal, Radiohead es una parte de mi vida; sin embargo no quiero que mi subjetividad me gane en esta entrada, trataré de ser objetivo con este su último trabajo titulado ‘A Moon Shaped Pool’.
Para empezar que la banda supo con el factor sorpresa, desde que borraron prácticamente todas su cuentas de redes sociales, y luego empezaron a soltar imágenes de su nuevo video ‘Burn The Witch’, para luego lanzarla, y en lo personal tanto el video como la canción me dejaron satisfecho; luego lanzaron el video de ‘Daydreaming’ dirigido nada más que por Paul Thomas Anderson (director de cine que ya ha trabajado con Jonny Greenwood) y para acabar con el lanzamiento del disco, que como ya te habrás imaginado me ha gustado.
Hay cosas que debo aceptar, es que no hay ‘el gran cambio’ que los fans de Radiohead esperamos; es más el disco sigue tiene algo del ‘In Rainbows’, no obstante estimado lector, no me malinterprete, no estoy diciendo que el disco sea malo, más bien todo lo contrario, ya que no deja de ser sorpresivo, manejando los tiempos y buscando melodías nuevas, no estará a la altura del The Bends, OK Computer o Kid A (a mi gusto sus tres mejores discos), al menos no es tan monótono como el ‘The King Of Limbs’ (tampoco quiero decir que sea un disco malo); y sobre todo ese final grandilocuente con ‘True Love Waits’ que fue la sorpresa más grata que encontré en el disco; sin duda en este álbum encontraremos aproximadamente una hora con melodías sorprendentes y canciones que pronto se convertirán en nuevos clásicos.
En si no sé qué más puedo agregar, más que dejar claro que el disco me ha fascinado, Radiohead lo ha vuelto a hacer, nos ha regalado un nuevo trabajo con melodías fantásticas que nos envuelven en un ambiente tétrico, lleno de arreglos orquestales, como de elementos típicos de la música electrónica; que, mezclados con los típicos instrumentos del rock, nos dan el motor perfecto para iniciar un viaje alucinante.