Jeff Rosenstock – WORRY. (2016)

"These are the Amazon days. We are the binge-watching age 

And we’ll be stuck in a screen until our phones fall asleep 

Oh, I am never letting go of you."

Cuando vi el más reciente disco de Jeff Rosenstock, me sentí confundido, pues el disco se llama WORRY. (preocupación en inglés) pero en la portada vi a un tipo feliz bailando, buscando en Internet información de donde salió esa peculiar foto, averigüé que se trataba de mismo Rosentsock y que dicha foto fue tomada nada más que el día de su boda el año pasado; mi confusión aumento cuando comencé a escuchar las canciones que forman el disco, ya que en su mayoría habla de gentrificación, desigualada económica y el abuso policial en los EE.UU., en donde predominan la desesperanza y fatalidad, ya que me parece extraño que utilice una foto en donde desborda optimismo en un disco de dichas características; el disco tiene una estructura la cual ha sido comparada con el mítico Abbey Road y con el compilado Short Music for Short People de finales de los 90’s, en donde la primera parte nos presenta las canciones más “largas” y más “sólidas” mientras que luego 11 canciones en tan sólo 19 minutos; musicalmente el disco es heredero del punk, siguiendo los cánones musicales y líricos de este género, no obstante Rosenstock no se olvida el ska (sus inicio con The Arrogant Sons of Bitches) ya que en la última parte intercala ambos géneros.  WORRY. es el punto de quiebre de Rosenstock, ya que creo que es su etapa donde consolida su carrera como solista; debido que el disco muestra toda su versatilidad y capacidad como músico y compositor.

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Daniel Mosquera

Bon Iver - 22, A Million (2016)

"I'm standing in your street now, no 

And I carry his guitar 

And I can't recall it lightly at all 

But I know I'm going in"

Era el año 2007 y un proyecto titulado Bon Iver, a cargo del músico Justin Vernon lanzó su primer disco titulado ‘For Emma Forever Ago’ uno de los discos más interesantes de la década pasada, un indie-pop-folk que conquistó rápido tanto al público como a los críticos, ocho años después, vuelve con su tercer disco titulado 22, A Million, un discos que desde que leemos los títulos de las canciones (un lenguaje encriptado formados por números, gráficos y símbolos) nos damos cuenta que no es un trabajo típico; dicha especulación se confirma cuando empiezan a sonar las canciones, puesto que Vermon comienza a experimentar con la electrónica y de a pocos se siente varias influencias como el soul, el R&B y el jazz hasta el hip hop, creando sonidos únicos y raros, producidos por los múltiples instrumentos y voces que son utilizados; sin embargo hay algo que no ha cambiado, me refiero a ese ambiente melancólico y triste, esa necesidad de escapar, esa sensación de descontento, que ha estado presente en la obra de Vernon (y que se ha convertido en su sello personal).

En realidad no se (y me interesa poco) saber que significa los símbolos, no sé si son fechas especiales o si tienen un significado oculto, lo único que puedo decir es que he disfrutado cada instante que he escuchado el disco, ya que es un trabajo innovador de 34 minutos de sonidos vanguardistas, que sumergen al oyente a un mundo irreal y fantasioso.

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Daniel Mosquera

Nick Cave & The Bad Seeds - Skeleton Tree (2016)

"Cause nothing really matters I'm standing in the doorway 

You're walking 'round my place in your red dress, hair hanging down 

With your eyes on one, we love the ones we can 

Cause nothing really matters when you're standing, standing"

La muerte es y será una de las musas de los artistas, perder a un ser querido es algo que afecta a todos, pero a un artista es algo que generalmente estimula la imaginación y ayuda a crear obras eternas, llenas de solemnidad y majestuosidad, el último trabajo de Nick Cave & The Bad Seeds, es precisamente un claro ejemplo de lo que sostenemos; ya que durante la grabación del disco falleció el hijo de Cave de tan sólo 15 años.

El Skeleton Tree es un disco es oscuro, tétrico y desgarrador desde sus primeros acordes, Cave nos sumerge a un ambiente devastador sin previo aviso, con su característica voz grave el buen Cave comparte su tristeza, haciendo catarsis de sus pesares y miedos, mientras va narrando su dolor (pues siento que en vez de cantar Cave habla). En la parte musical, es simplemente algo maravilloso, el piano suena impecable dándole el aire ceremonioso que necesita el disco, los violines por su parte juegan un papel importante ya que aporta el lado sombrío, el crédito para la ejecución de estos instrumentos recae en Warren Ellis; mientras los coros que son dignos del soundtrack una película de terror logran trasmitir ese pesar que siente Cave.

Lamentablemente aún no puedo el documental One More Time With Feeling de Andrew Dominik, que es complemento de este disco (cuando lo hagamos haremos la reseña en nuestro blog de cine Sin Butaca), pero al menos puedo decir que el disco me ha dejado más que satisfecho, un disco elegante, en donde Nick Cave se puso sus mejores galas, para entregarnos una joya que sin duda es lo mejor del año.

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Daniel Mosquera

Angel Olsen - MY WOMAN (2016)

"Tell me that love isn't true"

Íntimo, misterioso, seductor y melancólico; son los adjetivos que se me ocurren cuando escucho ‘MY WOMAN’ el tercer disco de la artista oriunda de Misuri: Angel Olsen; en este trabajo la artista no hace más que sacar brillo de todo su talento como cantante y compositora; dando un paso importante en su crecimiento, tanto instrumental como melódica, ya que este trabajo no es más que una evolución lógica que empezó en el 2010 con su trabajo debut titulado "Strange Cacti".
El disco combina armónicamente sonidos acústicos con los eléctricos, coqueteando al mismo tiempo con el rock como la música electrónica, ya que tanto las guitarras como los sintetizadores intercalan el protagonismo de las canciones, siendo esta la característica más interesante del disco ya que Olsen yuxtapone ambos sonidos de una forma casi perfecta, ya que no se nota cambios abruptos, ni mucho menos se siente que sea forzado o pretencioso; otro punto por el cual el disco sobresale es por la voz de Olsen, puesto que la cantante hace gala de sus cualidades vocales trasmitiendo sensaciones de tranquilidad, y dulzura así como de fuerza y determinación.
Sin dudas ‘MY WOMAN’ es una joya, un disco íntimo, que juega con las emociones del oyente, y en donde la compositora demuestra todo su talento, para crear un disco fantástico.

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Esperanza Spalding - Emily’s D+Evolution (2016)

"I want to lock it all up in my pocket 

It's my bar of chocolate 

Give it to me, now!"

Todos en la música esperan un elegido; un ser dotado que renueve los cimientos, un mesías que rompa los esquemas y le dé una nueva dirección, en el caso del Jazz ese mesías se llama Esperanza Spalding una bajista de Portland que ha sabido cautivar al público con su gran voz y su talento para escribir canciones sublimes, su más reciente disco se titula “Emily's D+Evolution” que mezcla el jazz con el art rock, resultando un disco singular que desde el primer track envuelve al oyente con riffs de guitarras, golpes fuertes de batería y sobre todo con hipnóticos bajos; cuyo sonido es muy cercano por momentos a los sonidos del funk, blues y R&B
El disco narra la historia de Emily, el cual es el segundo nombre de Esperanza, funcionando como su alter ego; Esperanza describe a Emily como “un espíritu, u otro ente, o una expresión que acabo de conocer o de la que he sido advertida. Reconozco que mi trabajo… consiste en ser sus brazos y orejas, su voz y su cuerpo” a partir de esa premisa Esperanza se convierte en la arquitecta de las vivencias de Emily, construyendo con sus melodías las penas y alegrías de Emily.
Un disco atrevido, pero al mismo tiempo fresco, en donde Esperanza sigue puliendo su talento, creando pequeñas historias narradas de una forma contundente, dándole un nuevo aire al jazz, y acercándolo a nuevos oyentes.

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Daniel Mosquera

Garbage - Strange Little Birds (2016)

"I'm not in love, I'm not in love And there will be no future tense for us "

El sexto disco de Garbage está aquí se titula ‘Strange Little Birds’, y a mi opinión es el tercer mejor disco de la banda, luego de los ya clásicos ‘Garbage’ (1996) y ‘Version 2.0’ (1998), para afirmar eso me baso en que su sonido es ligeramente distinto, es más electrónico, más cercano al rock industrial, haciendo que el disco sea el más oscuro de su trayectoria, pero sin perder la esencia, ya que las guitaras distorsionadas, así como los sintetizadores siguen estando presente, para crear ese sonido que caracteriza a la banda, como ya mencioné antes el disco es oscuro ya que vemos influencias tales como trip-hop, post-punk y dream pop, creando ambientes densos y sombríos, donde la voz sexy de Sherly Manson esta vez nos trasmite disconformidad, desamor y tristeza .
Si bien es cierto la fórmula es la misma a los que nos tiene acostumbrado este cuarteto, han mostrado cierta madurez en su sonido, dando como resultado un disco solvente y contundente que muestra las virtudes de esta banda, quizás no sea el disco del año, pero creo que es un trabajo que merece la pena ser escuchado y recomiendo dejarse hipnotizar por el sonido ‘basura’ de esta banda; sin duda alguna un gran logro para Butch Vig y compañía

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Daniel Mosquera

The Kills - Ash & Ice (2016)

"I'm lookin for answers to my wishes and my prayers 

You missed most of the words When I said 'em"

Luego de un lustro The Kills está de regreso, su más reciente trabajo se titula Ash & Ice, que hace que este dúo binacional vuelva a estar presente en los diferentes charts; como es lógico estos cinco años ha servido para que tanto VV y Hotel (sobrenombres de Alisson Mosshart y de Jamine Hince respectivamente) puedan buscar nuevos sonidos, ¡y vayan que lo lograron!, ya que el disco es el menos sucio que sus antecesores; sin embargo el sello de The Kills está presente en estos 50 minutos, por un lado tenemos la voz sensual, cautivadora y desenfrenada de VV por otro los riffs de Hotel elementos los cuales están presentes en todo el disco, pero la pregunta ¿qué es lo distinto en este disco? Para empezar que para el trabajo el estudio la banda contó con la participación de un baterista y un bajista haciendo que el sonido sea más real, ok hasta allí puede que no haya novedad, sin embargo, les hago recordar que The Kills no utiliza estos instrumentos, por tal motivo hace que su sonido se renueve; además que la caja de ritmo (que durante mucho tiempo fue el tercer integrante de la banda) sigue allí, para hacernos recordar que a pesar de los cambios la esencia está presente; quizás para mucho no les agrade el resultado, eso es algo que se entiende y respeta, sin embargo a mi gusto este es un disco bien elaborado y milimétricamente trabajado, en donde el alma de The Kills está presente en cada canción, donde nos podemos dejar llevar por los jugueteos que hace Hotel en las guitarras y en donde nos cautiva la voz inconfundible de VV, es cierto el disco es menos sucio pero la flama del garaje rock sigue ardiendo en este dúo, y quizás no sea su mejor trabajo, pero a mi opinión no es retroceso ni un fracaso, es sólo dos viejos amigos/músicos buscando nuevos sonidos y matices.

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Daniel Mosquera

Mitski - Puberty 2 (2016)

"Oh if you're going, take the train 

So I can hear it rumble, one last rumble"

Mitski Miyawaki mejor conocida como Mitski, es mitad japonesa mitad estadounidense, nació en Japón y se crió en Nueva York, su familia se movía constantemente por tal motivo ella vivió en la República Democrática del Congo, en Malasia, en China y en Turquía, ella afirma que su música es una influencia de sus dos raíces la Japón y la de EE.UU.
Este año, sin dudas es el año de Miskit, su más reciente trabajo titulado Puberty 2, está cosechando buenas críticas y no debe sorprender que aparezca en la listas de fin de año; el disco no es pretencioso, está bien trabajado, y sobre todo las canciones son contundentes; Mitski sabe equilibrar las canciones rockeras en donde predominan las guitarras distorsionadas, con las canciones de corte más electrónico en donde sobresale el teclado; así como sabes utilizar otros tipos de instrumentos como los de viento o los de cuerda, creando una atmósfera ecléctica.
El Puberty 2, es hasta ahora su trabajo más completo, en donde vemos la versatilidad de Mitski, que rescata el indie femenino de inicios de los 90’s ya que por momentos se disfraza de PJ Harvey, o de Hope Sandoval, así como también utiliza elementos más actuales como a St Vincent o a Courtney Barnett; un disco que vale la pena darle play y disfrutarlo de inicio a fin, un trabajo interesante, que dudo que pase desapercibido.

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Daniel Mosquera

The Drones - Feelin Kinda Free (2016)

"Thud thud my heart pumping blood 

Whenever someone talks about my Taman Shud"

The Drones es una banda australiana que en sus inicios tenía un clara influencia del blues, especialmente Bod Dylan, sin embargo en su séptimo trabajo titulado ‘Feelin Kinda Free’ deciden darle más cabida a la experimentación, teniendo como resultado un disco intenso, compacto, profundo y sobre todo muy sugestivo, en este disco los australianos le dan un giro de 180° a su sonido, ahora los sintetizadores son los que predominan mientras que las guitarras pasan a segundo plano, es que parece que la banda quiso retarse, buscar nuevos sonidos , de revitalizarse, es como si hubieran desquebrajado su sonido y lo reamaron utilizando otros elementos alejados del sonido rockero (como el hip-hop por ejemplo) .
Sin duda es algo digno de elogiar, ya que el cuarteto australiano ha sabido salir de su zona de confort (algo que pocas bandas, incluso las renombradas, se atreven a hacer), ya que el ‘Feelin Kinda Free’ es un disco que rompe esquemas, un trabajo difícil de etiquetar en un género ya que es muy ecléctico; sin embargo si alguien se atreve a darle play, les garantizo que tendrá un viaje espectacular, lleno de sorpresas y en donde tu imaginación volará libremente a través de una vorágine de sonidos.

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Daniel Mosquera

Travis - Everything at Once (2016)

"When enough is enough and it's all too much for anyone 

When you're out on your own, everybody's in love"

Creo que de Travis siempre recordaré sus tres primeros discos: Good Feeling, el fabuloso The Man Who y The Invisible Band, luego los escoceses han entrado en una zona de confort que hasta ahora no ha podido (o mejor dicho querido) salir, su último disco titulado Everything at Once, no es la excepción a esta premisa, ya que es un disco que sigue con los cánones a los cuales Travis nos tiene acostumbrado, sin embargo este no es un disco aburrido, todo lo contrario es un disco que se deja escuchar , a pesar de ser monótono y predecible, es efectivo, ya que las canciones son directas y simples, llenas de melodías y cargados con una esencia sosegada que es la firma típica de los escoceses. Si bien es cierto este disco no entrará en la historia, ni será recordado como el mejor trabajo de Travis; pero al menos les garantizo que las (pocas) veces que lo escuches no lo te arrepentirás. En conclusión un disco que a pesar de que sabes que va a venir, no te decepciona.

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Daniel Mosquera

Xiu Xiu Plays the Music of Twin Peaks (2016)

"Are we falling in love?"

Twin Peaks fue una serie (y posteriormente tuvo una adaptación cinematográfica) creada por David Lynch, es considerada como una serie (y película) de culto, no sólo por su sólido arco argumental o por la forma como fue narrada, sino también por su música que estuvo a cargo de Angelo Badalamenti (el cual es un colaborador recurrente de Lynch), dicho soundtrack compartía la esencia misteriosa y tétrica de la serie, lo cual creo yo, ayudó a que Twin Peaks sea un producto completo, ya que creó una atmósfera musical que se complementaba perfectamente con las imágenes visuales. Hacer un covers algo sencillo, lo complicado es apropiarse de la obra original, darle el toque personal del artista para poder recrearla, son pocos artistas los cuales tienen covers que ha superado al origina, y dentro de ese reducido grupo de artistas que han sabido hacer suya una canción ajena, debemos de agregar a la banda californiana Xiu Xiu, ya lo que hicieron con la obra de Badalmenti es algo excepcional, un verdadero deleite al oído, recreando de una forma sobria el soundtrack de esta serie, respetando la esencia lúgubre y enigmática de la obra original, y al mismo tiempo imprimiéndole el toque particular de esta banda, llevándolo a terrenos más experimentales y ásperos, en donde no tienen reparo de incluir distorsiones y juegos de voces para elevar el grado de lobreguez de las canciones. Estamos enfrente d una trabajo impecable de Jamie Stewart y los suyos, en donde los fans de la banda sonora de Twin Peaks no se sentirán decepcionados, sino agradecidos por la grandilocuente ejecución de Xiu Xiu, ya que supo mantener el meollo pero al mismo tiempo brinda una nueva perceptiva ampliando los horizontes imaginarios y esperemos que Lynch incluya alguna de estas canciones en la tercera temporada de la serie.

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Car Seat Headrest - Teens of Denial (2016)

"This isn't sex, I don't think, it's just extreme empathy 

She's not my ex, we never met, but do you still think of me?"

Teens of Denial es el décimo tercer disco de la banda de Virginia Car Seat Headrest, esta banda inició el 2010 como un proyecto en solitario de Will Toledo, el cual lanzó 11 discos por internet que poco a poco llamó la atención tanto de los productores como de la prensa especializada, luego firmaron con Matador Records y lanzaron el disco Teens of Style el 2015, que es un recopilado de sus discos anteriores.
Este año está de regreso con un nuevo material que musicalmente es heredero del underground estadounidense de los años 80’s 90’s: Yo La Tengo, Sonic Youth, The Breeders, Weezer, Wilco, y sobre todo Pavement; es decir estamos ante un disco rockero, lleno de distorsiones de guitarras, ritmos cambiantes, riffs potentes y cargado de emociones fuertes, ósea un disco que tiene el espíritu de la vieja escuela; en este álbum podemos sentir que el trabajo de Toledo ha evolucionado poco a poco, que todo ese tiempo en la cual se la pasó grabando discos en forma artesanal ha sido toda experiencia que le sirvió para encontrar su propio sonido, luego; gracias a Matador Records (un disquera que se caracteriza por dar libertad a sus artistas) y al productor Steve Fisk (que entre otros trabajó con Nirvana, Soundgarden, Screaming Trees, etc) pudo pulirlo y finalmente regalarnos un disco intenso, en donde la emotividad se respira en los más de 70 minutos el cual dura el disco.

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Radiohead - A Moon Shaped Pool (2016)

"And true love waits In haunted attics"

Por primera vez en la historia de Oídos Vírgenes, nuestros dos redactores opinaran del mismo disco:

LesterStone

Después de la desazón que me generó The King of Limbs, que fue un álbum que me pareció desangelado y sin gracia al margen de uno que otro pasaje decente logrado a base de puro oficio (y que luego de aquel 2011 sigo sin volver a revisar, aunque igual no creo que mejore mucho en mi cánon personal), el leer que Radiohead tenía material nuevo para ofrecer en este 2016 era algo que ya no me generaba demasiada expectativa. Y no porque pensara que no podían mejorar luego de aquel bache, sino porque en general sus lanzamientos post-Kid A (que supuso en su momento todo un abreojos para mí a un género que no había explorado muy bien hasta entonces como lo era la electrónica) no han hecho demasiado click conmigo, aun reconociendo la solidez lograda en trabajos como Hail to The Thief (2003) e In Rainbows (2007), en los que sin embargo echo en falta lo primero que atrapó mi atención con respecto al grupo: su particular uso de las guitarras, mostrado de excelente forma en el siglo pasado. En todo caso, la asimilación que hace Radiohead de la tecnología e influencias nuevas y el no temerle a probar con texturas y sonidos de vanguardia son parte de lo que definió la obra del conjunto británico en este nuevo milenio, aunque este flamante A Moon Shaped Pool parece ser más bien un resumen de dicha estética, no proponiendo nada muy novedoso con respecto a lo que ya se les conocía, pero haciendo énfasis en algo que fue -a mi gusto- su talón de aquiles en The King of Limbs: las canciones. Las composiciones (la mayoría de las cuales ya eran conocidas al haber sido tocadas en directo en los últimos años) y los trabajadísimos arreglos y atmósferas que el grupo crea en torno a ellas van siempre al mismo nivel, no lo segundo devorando a lo primero como sucedió en el disco anterior: sustancia y estilo al mismo tiempo. Acá hacen uso de la electrónica como un elemento aún principal y ya indesligable de su impronta, pero a ello le suman el carácter orgánico que poseen las guitarras eléctricas y acústicas, una base rítmica sutil y precisa, brillantes arreglos de cuerda con los que Jonny Greenwood demuestra estar en un gran momento y ser el genio (no tan) en las sombras del grupo y, por último -hay que reconocer-, una interpretación cálida y humana de Thom Yorke, mucho menos sombría y distante; es en esa mixtura en que radica lo notable de este álbum y las ganas de oírlo repetidas veces que me ha generado, algo que no auguraba hasta hace unas pocas semanas. No creo muy necesario entrar en detalle con respecto a los temas, de eso ya se han encargado las miles de reseñas que han aparecido en estos últimos días y que puedes leer en tus webs y blogs de música favoritos, muchas aparecidas de forma casi inmediata al lanzamiento y que han diseccionado el disco de forma casi quirúrgica, una muestra más del status que Radiohead posee en la actual escena musical. Este texto es basicamente escrito solo con la intención de dejar constancia que A Moon Shaped Pool me devuelve en algo la fe que le había perdido a los de Oxford, sobre todo en lo que respecta a ofrecer canciones memorables y con las que uno puede establecer una conexión emocional, como lo demuestran las hipnóticas "Daydreaming" y "Decks Dark", el bossanova hi-tech de "Present Tense" y la inmensa y remozada "True Love Waits", que cierra el álbum. Con el permiso de In Rainbows, creo que este es su mejor -o más consistente, al menos- desde Kid A.

Dlma97

Hablar de Radiohead para mí es algo especial, no sólo porque se trata de la banda que actualmente más admiro, sino por lo que significa en mi vida, ya que puedo decir que su música ha estado en todas las etapas las cuales he vivido y que un buen número de sus canciones son parte de mi soundtrack personal, Radiohead es una parte de mi vida; sin embargo no quiero que mi subjetividad me gane en esta entrada, trataré de ser objetivo con este su último trabajo titulado ‘A Moon Shaped Pool’.
Para empezar que la banda supo con el factor sorpresa, desde que borraron prácticamente todas su cuentas de redes sociales, y luego empezaron a soltar imágenes de su nuevo video ‘Burn The Witch’, para luego lanzarla, y en lo personal tanto el video como la canción me dejaron satisfecho; luego lanzaron el video de ‘Daydreaming’ dirigido nada más que por Paul Thomas Anderson (director de cine que ya ha trabajado con Jonny Greenwood) y para acabar con el lanzamiento del disco, que como ya te habrás imaginado me ha gustado.
Hay cosas que debo aceptar, es que no hay ‘el gran cambio’ que los fans de Radiohead esperamos; es más el disco sigue tiene algo del ‘In Rainbows’, no obstante estimado lector, no me malinterprete, no estoy diciendo que el disco sea malo, más bien todo lo contrario, ya que no deja de ser sorpresivo, manejando los tiempos y buscando melodías nuevas, no estará a la altura del The Bends, OK Computer o Kid A (a mi gusto sus tres mejores discos), al menos no es tan monótono como el ‘The King Of Limbs’ (tampoco quiero decir que sea un disco malo); y sobre todo ese final grandilocuente con ‘True Love Waits’ que fue la sorpresa más grata que encontré en el disco; sin duda en este álbum encontraremos aproximadamente una hora con melodías sorprendentes y canciones que pronto se convertirán en nuevos clásicos.
En si no sé qué más puedo agregar, más que dejar claro que el disco me ha fascinado, Radiohead lo ha vuelto a hacer, nos ha regalado un nuevo trabajo con melodías fantásticas que nos envuelven en un ambiente tétrico, lleno de arreglos orquestales, como de elementos típicos de la música electrónica; que, mezclados con los típicos instrumentos del rock, nos dan el motor perfecto para iniciar un viaje alucinante.

Weezer - Weezer (White Album) (2016)

"The California kids 

Will throw you a lifeline"

Weezer es una banda que ya tiene 24 años, es decir es una banda cuajada, siempre guiado por Rivers Cumo, con diez discos en su haber la banda ha sabido moldear y “perfeccionar” su estilo, que se caracteriza por tener un sonido fresco y juvenil, en donde predominan las guitarras herederas del garaje rock, del power pop, del post punk, y sobre todo del surf rock (específicamente de los míticos Beach Boys), su décimo disco autitulado pero para diferenciarlos de los otros muchos lo conocen como el “White Album” (recodemos que Weezer tiene otros tres discos titulados Weezer que se diferencias por el color de su portada y son los siguientes: Blue (1995), Green (2001) y Red (2008) )es un tributo al surf rock, ya que desde la portada la banda nos traslada a la playa, puesto que en las playas de California se va desarrollando este disco que comienza con el sonido de las olas y las gaviotas, y se va desarrollando en un ambiente veraniego y playero, en donde la preocupación no existe y todo se resuelve en una gran fogata nocturna; sin embargo el disco no es sólo un homenaje a los Beach Boys, sino también recuperan el sonido del Pirketon (1996) su segundo disco, que curiosamente este año cumple 20 años de haber sido lanzado, y creo que no han dejado de lado esta oportunidad para rendirse un pequeño tributo (recomiendo oír ‘Do You Wanna Get High’ una canción que tiene un estructura muy similar a que las mayorías del Pirketon) . El disco como ya mencioné es fresco y creo que es una mirada en retrospectiva, tanto a los inicios del power pop, como a una fórmula que ellos ya conocían, creo que este es un disco imprescindible dentro de la discografía de Weezer, y nos dicen que ellos tienen más momentos buenos que regalarnos, sin duda un de la más gratas sorpresas de este año.

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One-Two Punch #1: Cholo Visceral / Nicotina es Primavera

Esta reseña doble (primera vez que intento algo así y creo/espero que habrá más en el futuro) tiene como protagonistas a dos combos instrumentales que lanzaron ó presentaron álbumes durante el mes de abril último y cuyas propuestas -aunque disímiles en forma- se encuentran hermanadas por la experimentación y la búsqueda de posibilidades expresivas: los locales Cholo Visceral y la banda multinacional Nicotina es Primavera. Pero, vamos por partes.

Cholo Visceral es una banda limeña conformada por Arturo Quispe (guitarra, teclado), Israel Tenor (guitarra), Manuel Villavicencio (bajo), Max Vega (saxo), Joao Orosco (batería) y Silvana Tello (theremin, voz) que hace 3 años apareciera en escena con un destacable LP debut autotitulado (Tóxiko Records, 2013) en el que practicaban un prog-rock de raigambre crimsoniana con ribetes psicodélicos, mostrando una dinámica cuyo resultado final estaba basado más en intrincadas estructuras sonoras que en la holgura y libertad del jamming. Luego de eso, la banda se dedicó a tocar en el reducido circuito progre limeño y por el interior de nuestro país, llegando a presentarse en escenarios de Chile y Argentina a finales del 2015, mientras el disco se editaba en vinilo en un sello griego. Un adelanto de lo que sería este nuevo álbum se dio el año pasado, cuando grabaron una sesión para el net-label moqueguano Diamonds and Knives en la que presentaron "Explosión del Misti" y "Cholacos", incluidos ya en versiones definitivas en esta entrega, de la que por su duración (12 y 16 minutos, respectivamente) se constituyen como piezas centrales. Lo que ya mostraban aquellos 2 temas y que el resto del flamante Vol. II se encarga de ratificar, es que CV redobla la ambiciosa propuesta ya esbozada en su álbum debut, con composiciones extensas construidas con tantos cambios de tiempo y giros sorpresivos en su estructura que a veces resulta difícil recordar como han iniciado y que no se sabe como van a culminar: siempre hay un riff de guitarra o bajo que aparece de la nada o pasajes en los que la banda ralentiza o acelera el ataque, con un saxo que cobra un papel protagónico por instantes y con tramos en los que nuevamente citan al funk (p.ej: el sabroso "funky drummer" de "10 años de terror: la dictadura") y al acid-rock, con un groove abigarrado y muscular que no da tregua al oyente como elemento distintivo. A destacar también son los momentos en los que incorporan motivos de música andina ("Muca", "Cholo Visceral"), incluso con un tema de acústico arreglo y vocales femeninos ("Jarjacha") y un final anticlimático y suspensivo a base de piano ("El paso entre las lomas"), que son pequeñas anomalías dentro de su breve obra. Quizá por sus características y tiempo de reproducción este Vol. II sea un álbum de escucha más ardua y asimilación más lenta si lo comparamos a los 36 concisos minutos en los que su antecesor se daba la maña de exhibir todas sus virtudes, pero en todo caso este un recordatorio de que Cholo Visceral no es una banda que le tema al reto de seguir sus instintos psico-progresivos aun con el riesgo de dejar a algunos oyentes fuera en ese proceso de complejizar su sonido. Quien quiera oír, oirá; queda para los interesados. 

Camilo Ángeles es un flautista y compositor peruano radicado en Buenos Aires desde hace unos años que, ya inserto plenamente en la bullente y variopinta escena musical de dicha ciudad, ha formado parte de diversas bandas y proyectos vinculados al jazz-rock y a la improvisación. Una de esas bandas es Sales de Baño (liderada por el bajista colombiano Carlos Quebrada) con la que grabara el interesante Estrangulado el Mundo (2014),  el que incluso vinieron a presentar a Lima a mediados del año pasado. Nicotina es Primavera es una iniciativa formada por el propio Ángeles que también cuenta con Quebrada en el bajo y se completa con Juan Olivera (trompeta), Violeta García (cello), Pía Hernández (piano), Fermín Merlo (vibráfono) y Nicolás del Águila (batería), que funciona como un septeto que le sirve para explorar los a veces incomprendidos terrenos de la vanguardia. Hablar de "vanguardia" en todo caso es relativo si tomamos en cuenta los añejos referentes de los que Ángeles y cía. se valen (Rock In Opposition setentero, avant-jazz y algo de la música académica menos amable) pero que de algún modo hacen funcionar como un mecanismo bien aceitado y operativo en Animal Cerámico, álbum debut del conjunto (editado a nivel local por Buh Records). El disco está compuesto por 3 extensas piezas en las que el ensamble alterna libérrimos pasajes de improvisación desbocada -en la que los sonidos son practicamente arrancados a los instrumentos- con motifs y esquemas propios del avant-progresivo, con influencia de bandas como Henry Cow y Univers Zero, sobre todo por la tensión que van construyendo de a pocos y la irrupción abrupta de pasajes de inspiración jazzera y de cámara, con una pieza central epónima construida a la manera de una suite de 3 partes que llega a los 38 minutos de duración (!). Para quien escribe la escucha de temas como "Humor Humano" (de inquietante inicio y en la que gradualmente se va pasando a pasajes de carácter más free-jazz), el 2do movimiento de "Nicotina es Primavera" (mi favorito, con un inicio atonal de aire schoenbergiano que va mutando a una descarga final casi hard-bopera) y "Enero Suicida" (de apacibles ecos Canterbury, el más melódico de todos) ha sido una experiencia perturbadora y gratificante al mismo tiempo. Entiendo que quizá esto puede saberle a sebo de culebra a quienes no estén habituados y/o le hagan ascos a este tipo de despliegues arty, pero creo que la alternancia que los Nicotina logran entre la abierta experimentación y los momentos en los que se muestra un lado compositivo más estructurado es lograda y hace de Animal Cerámico un remarcable debut que recomiendo a melómanos open-minded y a quienes no le teman a un sacudón auditivo. A mi me ha gustado, que puedo decir. 

LesterStone

Escucha "Vol. II" de Cholo Visceral aquí

Escucha "Animal Cerámico" de Nicotina es Primavera aquí. 

Parquet Courts - Human Performance (2016)

"I find building blocks filled with nothing. 

Seen an ink blot page and I said nothing."

Cuando escucho al cuarteto neoyorquino Parquet Courts, siento que estoy escuchando a la banda californiana Pavement, y no es porque los liderados por Andrew Savage sean un vil copia de Malkmus y compañía; es porque esta banda ha sabido recoger el legado de Pavement para acomodarlo a su estilo y propuesta; en el Human Performance, su quinto disco predominan las guitarras sucias causadas por la gran cantidad de distorsiones utilizadas; así como bajos potentes, baterías constantes y sobre todo la voz desaliñada de Savage, que le da un aire altruista al disco, tomando, por una parte, la aptitud insurgente que es típica en los orígenes del punk y por otra parte el espíritu lo-fi, heredero del underground americano de finales de los 80’s e inicio de los 90’s; es decir que combina la rebeldía con la apatía y lo sazona con cierta pisca de tristeza, para darle ese delicioso sabor tan amargo como el café.
En conclusión el ‘Human Performance’ es un disco que le da un aire fresco a la escena lo-fi, re nutriéndolo de un espíritu sedicioso, reafirmando su carácter amateur, para darnos un disco patea traseros.

Track Listing:

PJ Harvey - The Hope Six Demolition Project (2016)

"I took a plane to foreign land / And said I’ll write down what I find"

Resulta casi innecesario tener que presentar a la inglesa Polly Jean Harvey (Bridport, 1969), cantautora, multi-instrumentista y señera figura de la escena alternativa en las dos últimas decadas, cuya obra, ecléctica y muy personal -que incluye albumes tan espléndidos como Dry (1992), To Bring You My Love (1995) y Stories From The City, Stories From The Sea (2000)- la coloca como primus inter pares en lo que respecta a artistas femeninas surgidas en ese mismo periodo. Iniciando la segunda década del siglo XXI, la Harvey se había anotado otro gol con la edición de Let England Shake (2011), notable trabajo en el que se mostraba con una vena menos introspectiva que la del pianístico y taciturno White Chalk (2007), cuestionando en sus líricas tópicos diversos de la historia y la situación social y política de Inglaterra. El trabajo fue un clamoroso suceso de crítica y de ventas, sirviéndole incluso para ganar por segunda vez -situación inédita en la historia de ese premio- el prestigioso Mercury Prize. Los 5 años transcurridos desde Let England Shake llevaban a pensar que el siguiente opus de PJ iba a alejarse un tanto del tono político exhibido en aquel, pero como demuestra el flamante The Hope Six Demolition Project (2016), eso es algo que aún llevan impregnadas sus nuevas canciones, aunque ya desde una perspectiva global y menos localista, influenciada sin duda por los viajes que la artista efectuó junto al fotógrafo Seamus Murphy en estos últimos años a Afganistan, Kosovo y Washington D.C. y las vivencias recogidas en dichos lugares, que no solo se convirtieron en líricas para estos nuevos temas sino también en textos incluidos en The Hollow of the Hand, su libro de poesía editado el año pasado. La grabación misma del álbum tuvo algo fuera de lo común: fue realizada  en un sótano de la Somerset House de Londres entre enero y febrero del 2015 como parte de una instalación llamada Recording in Progress, en la que el público podía observar a través de un vidrio como Harvey y sus sidemen Flood y John Parish trabajaban, lo cual ya atraía cierta expectativa por lo que la inglesa se traía entre manos.

A nivel musical, The Hope Six Demolition Project es un álbum que no se aleja del estilo más sosegado y folk-rockero (aunque no por ello carente de nervio) que PJ había explorado en Let England Shake. Las citas a su álbum anterior son algo de lo que la ya madura Harvey se sirve aquí, así el par de temas que abren la placa den otra impresión: "The Community of Hope" es una canción de ritmo animado y casi uptempo, de carácter más pop que cualquiera de su obra previa, pero que en sus breves 2:23 se refiere de forma cáustica y negativa a Hope VI, un proyecto del gobierno estadounidense -que Harvey visitó durante su estadía en Washington D.C.- destinado supuestamente a recuperar y poblar áreas urbanas deshabitadas o en estado de abandono ("Here's the highway pathway of death and destruction / South Capitol is its name / and the school that looks like shit-hole / Does that look like a nice place?"), que por tocar dicho asunto levantara cierto revuelo en circulos políticos de USA luego de ser lanzado como single. "The Ministry of Defence", el segundo track, sorprende por su metálico riff, quizá el más pesado creado por Harvey, y describe un paisaje desolado por la guerra ("Broken glass, a white jawbone / syringes, razors, a plastic spoon / Human hair, a kitchen knief / (..) scratched in the wall in Biro pen / This is how the world will end") acompañada de graves coros masculinos y un divagante saxo, presencias constantes a lo largo del disco. Luego de ello, se suceden pasajes en los que la impronta folk se inmiscuye de forma templada ("A Line in the Sand", "River Anacostia") o potente ("Medicinals" y "Near the Memorials to Vietnam and Lincoln" con su contagioso sing-along y ominoso telón de fondo) y hasta se da tiempo para ensayar un blues de desértica evocación ("Chain of Keys"), pero no todos resultan tan notables ("The Orange Monkey", último single del álbum, es solo pasable a mi gusto) aun si están vinculados en espíritu, al discurrir sobre la decadencia de las relaciones humanas y con un tono ciertamente pesimista con respecto al devenir de las cosas. Hasta este punto algunos podrían echar en falta el rupturismo que PJ se autoimponía de un lanzamiento a otro al notarse las similitudes con Let England Shake, pero yo no veo esa falta de sorpresa como un problema siempre y cuando haya buenas canciones, las cuales si podemos hallar aquí. Quizá lo que se podría observar es que el carácter de denuncia que Harvey enarbola no se condice -a mi parecer- con una interpretación que lo haga tan patente: su indignación ante los eventos y hechos que describe es sincera pero es comedida, como si dejara que las líricas cumplan su función sin que a nivel vocal aflore del todo su lado más visceral. En todo caso, algo de esa urgencia se puede percibir en la triada de temas que cierra el álbum: "The Ministry of Social Affairs" es un blues referido a la codicia de las instituciones gubernamentales, cuya intensidad va aumentando de a pocos, con una base de vientos y una percusión machacante de marcial tono que desemboca en un enloquecido solo de saxo free-jazz, probablemente mi momento de música favorito en el disco. "The Wheel" fue el primer single de adelanto y aquí Harvey vuelve a terrenos folk-rock ya visitados previamente pero con un coro más pegadizo y palmadas a compás narrando una oscura fábula sobre 28 mil niños desaparecidos: la "rueda" del título refiere a lo cíclico de la violencia que observamos día a día como inertes testigos y con alguna complicidad. La dolorosa travesía de Hope Six concluye con "Dollar Dollar", que podría sonar anticlimático por lo que le precede: este es un tema de aire dramático en el que se nos describe la escena de niños mendigos en las calles de Kabul ("I can't look through or past / a face saying 'dollar dollar' / a face pock-marked and hollow / staring from the glass") y en el que la voz con eco de Polly Jean se yergue por sobre un minimalista arreglo, mientras un saxo bluesero dibuja una meditabunda figura. El viaje ha concluido.

The Hope Six Demolition Project resulta ser otro álbum apreciable dentro de la obra de PJ Harvey, aunque -siendo sincero- quizá no le va en zaga a sus mejores discos, algo que le puede pasar a artistas con un body of work tan versátil y suculento. Como ya mencioné, su autora no visita aquí nuevos parajes ni propone algo rompedor con respecto a su pasado, pero la sabia autorreferencia, el carácter documental del conjunto y la honestidad que emana de estas crónicas musicales lo convierten en un disco de un nivel satisfactorio y que vale la pena oír. 

LesterStone

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The Jezabels - Synthia (2016)

"Sheets are red with blood 

No words I can say 

No sex is the same 

No words"

The Jezabels, es una banda australiana que este año lanzó su tercer disco titulado “Synthia”, el cual tiene una clara influencia del synthpop. Los sintetizadores marcan la pauta, creando un ambiente lujurioso lleno de ritmos vigorosos y etéreos; así mismo los efectos de las guitarras (afluentes de shoesgaze) le dan un toque de oscuridad y dramatismo que son el ingrediente perfecto para acompañar las letras feministas, cargas de sorna y connotaciones sexuales. La grandilocuencia del disco se percibe en cada una de las canciones que son ejecutadas de una manera soberbia por los australianos, en donde se destaca la voz melancólica de Hayley Mary que trasmite toda esa angustia y dolor, y que además logra trasladarnos a parajes oníricos, obvio, cuando así lo requieren las canciones. Sin embargo, creo yo que toda la responsabilidad recae en la tecladista Heather Shannon (que salió victoriosa de la guerra contra el cáncer) puesto que, como mencioné al inicio, el sintetizador es la base del disco, dándole momentos solemnes, como también irreverentes, sin duda la clave principal de “Synthia”; no puedo dejar de lado las guitarras de Samuel Lockwood que fluctuando entre el shoesgaze y el post-punk sazonan el disco con la pisca rockera y claro el altisonante trabajo de la batería a cargo de Nik Kaloper que se encarga de darle vida a esta obra. No creo que sea el disco del año, pero de algo estoy seguro: este disco no pasará desapercibido, pues tiene los ingredientes perfectos para que sea disfrutado por todos.

Track List:

Pinkshinyultrablast - Grandfeathered (2016)

En definitiva mi banda favorita de Rusia es Pinkshinyultrablast, ya me cautivaron el año pasado con su grandilocuente ‘Everything Else Matters’, que fue uno de los discos que más escuche el 2015, ahora han lanzado otro material titulado ‘Grandfeathered’, y no han defraudado, la banda continúa tomando influencias de los pesos pesados del Shoesgaze y Dreampop (léase My Bloody Valentine y Cocteau Twins) ya que las capas sobre capas de distorsión de guitarras y voces siguen siendo los principales ingredientes en la composición de las canciones, sin embargo esta vez hay guiños a la electrónica; dando como resultado un disco sea más versátil y efusivo, creando ruidos ensordecedores que terminan siendo un placer , además la banda ha dado un paso importante a la evolución de su sonido ; estamos ante una joya repleta de sonidos surrealistas, en donde las guitarras distorsionadas marcan la pauta de esta nueva aventura de los rusos; lo que ‘Grandfeathered’ nos muestra es a una banda más compacta con un sonido más sólido,hy sobre todo sin nada de pretensiones.

Track Listing:

Triángulo de Amor Bizarro - Salve Discordia (2016)

"Europa es una zorra y está matando a su juventud"

Triángulo de Amor Bizarro es una banda española , oriunda de Galicia España; es, sin duda, una de las bandas referentes del indie rock en español, debido a que tiene un estilo ecléctico influenciado por varias corriente, como el shoezgaze, space rock, noise o el post punk; la banda ya cuenta con cuatro discos, su más reciente trabajo se titula ‘Salve Discordia’ que sin duda es uno de sus discos más tajante (al menos a mi modesta opinión) ya que desde el primer track ‘Desmadre Estigio’ logra hipnotizar con sus desordenados riffs, sus ruidosas distorsiones y sus oníricos balbuceos; con melodías que vacilan entre Sonic Youth y My Bloody Valentine; el cuarteto nos regala una joya no sólo del rock en castellano, sino del rock en general, con canciones desenfrenadas en donde el cuarteto muestra su versatilidad e ímpetu. Lo que en lo personal me llamó más la atención es sin duda la batería que sin temor a equivocarme es el punto más alto del disco, dándole ese frenesí exquisito que permite esa vorágine de sonidos que satisfactoriamente destruyen los tímpanos.

Triángulo de Amor Bizarro, ha llevado su sonido a un nivel superlativo, ya que puedo afirmar que hasta la fecha es su mejor trabajo, esto debido a que los siento más compactos y más cuajados, los gallegos nos regalan un disco contundente, un disco exquisito una amalgama de sonidos capaces de satisfacer a los oídos más exigentes.

Track Listing:

Animal Collective - Painting With (2016)

"I don’t even know where to begin 

Or how I should start these days"

El disco tiene tres portadas

Con Animal Collective me pasa algo curiosos, sus primeros discos son los más difícil de apreciar ya que los considero muy denso y experimentales; mientras que a partir de su disco Feels (2005) a pesar de seguir siendo experimentales, los siento más accesibles, es como si se trataste de una evolución inversa, con esto no quiero decir que sus primeros discos sean mejores o que con el tiempo se hayan vuelto más comerciales, pues esta banda ha continuado experimentando con los sonidos, y llevando su música a un nivel superlativo, si lo comparamos con otras bandas contemporáneas, quizás para muchos sea una banda snob, quizás para otros sean considerados vanguardistas, pero nadie puede negar que es una banda que lleva la creatividad a otro nivel.

Su más reciente trabajo Painting With, es el reflejo a lo que me refiero, ya que su sonido sigue siendo peculiar, lleno de ritmos enajenados y melodías brillantes, en donde predominan los sintetizadores acompañado de una variedad de instrumentos de percusión y curiosamente dejaron de lado el “reverb” que había sido un sello característico de la banda; no obstante esta vez las canciones ahora son más cortas y directas, debido a que los artistas desearon rescatar la actitud punk y citan a Ramones como su principal influencia. Así mismo la banda se basó en la prehistoria especialmente en los dinosaurios y las pinturas rupestres en los procesos de composición y grabación, puesto que deseaban no incluir ningún tema lento. Resultando un disco raro (esto no es novedad), divertido y pegajoso, ¿su disco más pop? Quizás, pero siento que aún este trío de Baltimore está lejos de decepcionar.

Track Listing:

DIIV - Is The Is Are (2016)

"Medicine for free If you’d only asked for me"

Cuando la banda d EE.UU. DIIV lanzó su disco ‘Oshin’ allá por el 2012 toda la prense se rindió ante Zachary Cole Smith y los suyos, ahora cuatro años después regresan recargados con ‘Is The Is Are’ un trabajo mucho más maduro, un disco que va cambiando de tono con cada canción, comenzando con un indie pop pegajoso en donde predominan los riff de guitarras herederos principalmente de The Smiths, pero luego los sonidos se vuelven más densos predominando los efectos de guitarra con sonidos más cercanos al dream pop con una marcada influencia a Cocteau Twins hasta encontrarnos con una guerra de distorsiones que me recuerdan a sus coterráneos Sonic Youth; el mérito de DIIV es lograr amalgamar todas su variopinta influencia y crear uno de los discos más frescos, vistoso y sugerente de estos primeros meses del 2016, no cabe dudas que DIIV cada vez se muestra como una banda sólida, siguiendo un camino interesante, a la cabeza de Smith que se muestra como alguien versátil que sabe usar sus influencias sin caer en plagios.

Track List:

Kanye West - The Life of Pablo (2016)

Pocos artistas aparecidos en los últimos 15 años han generado reacciones tan diversas en el público, la prensa y la crítica musical como Kanye West (Atlanta, 1977). Es más, si estás leyendo esto, es muy probable que tengas ya bien formada una opinión sobre el sujeto de esta reseña y es por ello que casi se podría afirmar que Kanye es el artista más polarizante de los últimos 15 años, no solo dentro del hip-hop sino en un nivel general. Aquí el tema ya no tiene que ver sólo con la clásica dicotomía de amarlo u odiarlo, sino que la relación que uno puede tener con él conlleva un mayor grado de complejidad: se puede perfectamente detestar su imagen pública y todo lo que esta incluye (su arrogancia, sus bravatas, su habitual figuración, su megalomanía, etc.) y apreciar su música. O se le puede apreciar o aborrecer por todo eso: después de todo, Kanye es uno de esos artistas que han creado un personaje de si mismo -para bien o mal-, que mezcla la fanfarronería con la honestidad brutal, lo que lo ha hecho uno de los nombres más comunes en la prensa musical (y de espectáculos, sobre todo por sus enfrentamientos con otros artistas, su vida personal y su publicitado matrimonio con la socialité Kim Kardashian). Pero por otro lado, este es uno de esos casos en los que habría que separar hasta cierto punto artista y obra a fin de conservar cierta objetividad: si solo se le detesta por cómo es a nivel personal -o de personaje- y eso nos lleva a desdeñar su música simplemente por tal razón, estaríamos cometiendo un grave error: no hay que olvidar que este sujeto es responsable de buena parte de la música pop más imaginativa y singular de la última década. Habiendo iniciado su carrera como productor (rol que aún desempeña en sus grabaciones, complementado por muchos otros de ese rubro) y trabajando en su momento con -entre varios otros- Jay-Z, Beanie Sigel y Cam'ron, West no tardaría en pasarse al otro lado de la consola, debutando con el avasallante The College Dropout (2004), en el que su peculiar delivery -mitad rapeo, mitad canto hablado- era sazonado por beats tiznados de gospel, soul y R&B. Luego de eso proseguiría una ascendente y meteórica carrera, en la que incorporó también a su sonido una infinidad de elementos sacados de -por ejemplo- el synth-pop, la música orquestal, la electrónica y el pop, haciendo de algún modo que tan ecléctica fórmula suene coherente y convincente, tomando riesgos que la mayoría de artistas en su género no había tomado, cuestionando a traves de sus líricas tópicos varios de la sociedad estadounidense y, lo mejor, lanzando discos de gran factura como Late Registration (2005, producido por Jon Brion) y My Beautiful Dark Twisted Fantasy (2010), cuyo maximalismo sónico, ambición y grandes canciones lo convierten en uno de los mejores títulos de lo que va de esta década. Luego de Watch The Throne (2011), decente colaboración con su mentor Jay-Z, West lanza Yeezus (2013), que era su entrega más experimental hasta la fecha, en la que a la manera de unos Death Grips mezclaba a placer elementos sacados de la música industrial, el electro y el acid-house conformando un disco agresivo, pero en el que -si me preguntan- su consabido eclecticismo no llegaba a cuajar como en discos anteriores al margen de algunos buenos momentos. Pero viéndolo en perspectiva, eso era solo un adelanto de lo que este flamante The Life of Pablo (2016) podía ser.

Desde su propia y accidentada génesis, se podía intuír que The Life of Pablo (cuya grabación fue realizada durante los últimos 3 años en lugares como Italia, México y Canada, además de USA) iba a ser un álbum particularmente guiado por los caprichos de Kanye: su lanzamiento fue retrasado varias veces entre mediados del 2015 e inicios del 2016, lo que también incluía cambios en el tracklist, la secuencia de los temas y hasta en su mismo nombre, hasta que finalmente se editara el 18/02 a través de la plataforma digital Tidal. El resultante es un álbum que si bien a nivel musical conserva algo del abrasivo minimalismo que poseía Yeezus, es incluso más disperso a nivel de beats y producción (por lo que es un poco difícil florear sobre él haciendo referencia a aspectos generales), aunque haciendo cierto énfasis en un aspecto melódico que casi no aparecía en aquel. Desde el (buen) inicio con el gospel marciano de "Ultralight Beam" (con exultantes coros de iglesia y un buen verso cortesía de Chance The Rapper), la constante aquí será el oír a Kanye manipulando elementos a su antojo y metiendo tantas ideas en las canciones que si no se les oye con cierta atención parecen como un conjunto de fragmentos dispuestos de forma aleatoria - ese es basicamente su método de trabajo aquí (un primer ejemplo de eso es "Father Stretch My Hands", partes 1 y 2). No obstante eso, en la primera mitad encontramos temas destacables como "Famous", que tiene la voz invitada de Rihanna (versionando a Nina Simone), cariñosas líneas dedicadas a la popstar Taylor Swift que le echan más leña al fuego de su mediática rivalidad ("I made that bitch famous" - todo un caballlero), una buena base cortesía de Swizz Beatz y un feliz sampleo de "Bam Bam" de Sister Nancy, que vuelven al track uno de los más fácilmente aprehensibles del disco. "Feedback" retoma la agresividad de Yeezus, con sonoridad electro y un belicoso delivery de West ("wake up nigga, wake up!") que son de los mejores que le he oído, y "Freestyle 4" se sirve de un sample de Goldfrapp para crear un clima tenebroso y de cine noir, algo inédito dentro de su discografía. La concisión de "Highlights" conspira para el disfrute de dicho track -a pesar de tener una estructura un tanto bizarra-, a lo que contribuye un ágil rapeo de Young Thug, un buen beat y versos de Kanye sobre su deseo de usar una GoPro en la p**** (!). Tomando en cuenta que éste es un disco de West la inevitable cuota de autoindulgencia también aparece: "Low Lights" (breve interludio en plan spoken-word de religiosa connotación) y "I Love Kanye" (auto-referencial skit que es el instante de mayor humor en el disco) podrían obviarse sin que el conjunto se resienta en lo absoluto. Si el primer tramo de The Life of Pablo se sostiene en los buenos pasajes ya mencionados, a pesar de ese carácter inconexo que irónicamente lo hacen sonar eficaz y sorpresivo, en la segunda mitad la revolución del álbum definitivamente se ralentiza y todo adquiere un tono más meditabundo: "Waves" retoma la impronta gospel y tiene gancheros versos del -por otro lado- impresentable Chris Brown. "FML" tiene otro pegajoso hook a cargo del soulero The Weeknd y un buen rapeo de Kanye superpuestos a un beat más bien monótono. "Real Friends" es otro punto alto del disco, con su mecánica base y su piano loopeado, con líricas de West que parecieran ser honestas y sentidas. "Wolves" y "30 Hours" tienen un sabor a guiso a medio cocinar y me parecen un poco ralas y repetitivas para su propio bien, durando más de lo que deben y son tracks de los que podría prescindir, aunque en la parte final la dinámica "No More Parties in LA" (en la que Kanye intercambia versos con Kendrick Lamar, el nuevo niño mimado del hip-hop) con su marcado bajo y beat funky de onda old-school y "Facts (Charlie Heat Version)" con su amenazante synth y esos sutiles sampleos sacados de "Street Fighter" le devuelven al disco algo del momentum perdido (no sabría definir bien que es "Fade", el tema de cierre, ¿un electro-calypso? ni idea). 

The Life of Pablo (el tal Pablo es al parecer un alter-ego de Kanye) es, al margen de sus momentos destacables, un disco complicado de juzgar como totalidad, es tan volátil y disperso que parece ser diseñado para el shuffle-listening y, como tal, no habría mucha necesidad de oírlo en integridad o al menos en el orden que es presentado: pareciera estar conformado más por pedazos y retazos que por canciones propiamente dichas, dando la impresión de que West nos estuviera presentando el avance de sus pesquisas más que un trabajo totalmente terminado (los retrasos y dudas de su autor previas a su lanzamiento pueden sugerir eso), una suerte de collage caprichoso de ideas, un experimento de ensayo y error. Incluso aunque le tengo mis reparos a Yeezus, aun con todo su feísmo y agresividad, es un trabajo de mayor cohesión que éste y con un norte claro, pero hay varios temas y pasajes en TLOP que me gustan más que las de aquel y que crean una curiosa recordación, por lo que lo he estado oyendo la última semana casi en non-stop; de repente así funciona su peculiar arquitectura. Pablo es ambicioso, impredecible, expansivo, caótico y audaz, cualidades todas que aplican al mismo Kanye West y reflejan su constante búsqueda de nuevos derroteros sónicos, siguiendo su particular y caprichosa musa. ¿A tomar o dejar? quizá, pero fuera de subjetividades y reparos, hay que darle crédito al tipo -a pesar de si mismo- por intentar hacer algo diferente dentro de la música pop actual. 

LesterStone

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Savages - Adore Life (2016)

"If only I'd hidden my lust 

And starved a little bit more 

If only I didn't ask for more

Is it human to adore life?"

Oscuras, tétricas, rabiosas y directas son los adjetivos con el cual se le puede etiquetar al cuarteto londines Savages, que este año lanzan su segundo disco titulado ‘Adore Life’ luego del magnífico debut que fue hace tres años el ‘Silence Yourself’. Musicalmente la banda sigue explorando y explotando el post punk, un género en las que ellas se sienten cómodas, no sólo por sus melodías sino también en su estética, las guitarras siendo densas pero esta vez las melodías son más rudas, la fuerza que impregnaban en su anterior disco no se ha perdido, tampoco su irreverencia, y mucho menos el espíritu contestatario, estando más ásperas y sobre todo rebeldes; Savages sigue pateando traseros, siguen jugando con los acordes de guitarra buscando nuevos sonidos, el bajo sigue siendo vital y potente, dándole peso para hacer melodías más broncas, que van acorde con las letras oscuras que hablan principalmente de desamor, sin duda el ‘Adore Life’ es uno de esos discos necesarios, un disco rebelde y desafiante el cual nos recuerda cual es el “objetivo” del rock.

Track Listing:

Massive Attack - Ritual Spirit (EP, 2016)

Hay que admitir que una de las primeras sorpresas musicales del año fue tener material nuevo de Massive Attack, así este no conforme un álbum propiamente dicho. Desde que editaran el destacable Heligoland (2010), la actividad del connotado combo electrónico inglés (que ahora funciona como un ente bicéfalo conformado por Robert "3D" Del Naja y Grant "Daddy G" Marshall) en este último lustro se había concentrado principalmente en presentaciones en directo y en adherirse a distintas causas políticas, pero a pesar de haber anunciado en el 2013 que se encontraban trabajando en temas nuevos, no había nada que augurara que estos aparecerían a inicios de este 2016 (28/01/16, para ser más exactos) en diversas plataformas digitales. Los primeros datos a destacar sobre este EP de 4 temas titulado Ritual Spirit, es que cuenta con la participación de Tricky, que colabora con su ex-grupo -que dejó en pos de su carrera solista- por primera vez desde Protection (1994) y es la única grabación (aparte del soundtrack de la película Danny The Dog) en la que el tío Horace Andy no aporta su distintiva voz al conjunto, todo un clásico de Massive Attack. 

Desde los primeros segundos de "Dead Editors" (track que da inicio al EP) se puede entrever que el tiempo transcurrido desde su último lanzamiento les ha servido para poder incorporar sonoridades nuevas a su discurso, pero siempre agregándole su impronta característica: es así que el mencionado tema se desenvuelve en una base uptempo que abreva en las fuentes del 2-step, sobre la que el rapero británico Roots Manuva dispara dinámicos versos; es el tenso y pulsante bajo que se oye de fondo en el que se percibe el proverbial tono oscuro que Massive Attack le imprime a sus creaciones. Dicha tensión también se respira en "Ritual Spirit", que le da título al extended y en el que las notas de guitarra que entran/salen y el amenazante bajo ayudan a crear una densa atmósfera, con una base tribal y efectos de palmadas sobre las que el soulero inglés Azekel entona vocales con mántrico efecto. Los mejores pasajes llegan luego de eso, con "Voodoo in My Blood", tema que también se sirve de percusiones tribales (aunque más complejas y trabajadas que en el tema que antecede) a la que de a pocos se le van superponiendo sonidos diversos de sintetizadores, repetitivas guitarras (la que entra en 1:25 es la que da carácter al track) y la armónica vocalización del tándem hip-hop Young Fathers, que crean un momento de hipnótica naturaleza y galopante intensidad. "Take It There" es el tema en el que participa Tricky, que cierra el EP y que es a mi gusto el más destacado del conjunto. Acá tenemos a 3D y al monstruo de Bristol intercambiando vocales en un call-and-response como en los viejos tiempos sobre una base rítmica de clasicismo trip-hopero, con un piano que va marcando el pulso (que guarda alguna similitud a "A Wolf at the Door" de Radiohead) y con un apremiante crescendo hacia el final que culmina con todo volviendo a la tranquilidad del inicio de brillante forma. De lo escrito arriba se puede deducir que Ritual Spirit nos ha parecido un EP de notable factura, que en su breve metraje (17 minutos) exhibe un nivel de composición y detallismo que esperamos los Massive Attack puedan refrendar de mejor forma aun en un álbum de larga duración, que por lo aquí escuchado quisiéramos que salga mañana a primera hora; la expectativa ya está creada. Recomendado. 

LesterStone

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